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     Lunes | 21.04.14
 
 
 
DESDE EUROPA, por Manu Yáñez Murillo

BAFICI 09: Un top 20 ecléctico

Nuestro columnista catalán incluyó en su lista de recomendaciones a maestros y a operaprimistas, a cineastas clásicos y vanguardistas.

La presente lista incluye únicamente películas realizadas a partir de 2007.

1- RR, de James Benning (2007, Estados Unidos). James Benning cuenta con tres obras maestras en su haber: su primer largometraje, 11x14 (1977), un viaje en el tiempo de 1977 a 2004 titulado One Way Boogie Woogie/ 27 Years Later, y su última película hasta la fecha: RR (2007). “Double-R” (Benning dixit) se revela como una exploración de las dimensiones paisajísticas, míticas e históricas de la nación norteamericana. Un estudio monumental y al mismo tiempo austero protagonizado por trenes: ellos definen el espacio (matemático y exuberante) el tiempo (fijado por la espera y la recompensa del movimiento) e incluso el género cinematográfico. Los dos momentos sublimes del film (cuando dos trenes se cruzan en el plano) se erigen como milagrosas coreografías cuya perfección es sólo comparable a la del musical clásico de Hollywood o al final de Café Lúmiere, de Hou Hsiao-hsien.

2- Les Amours d'Astrée et de Céladon, de Eric Rohmer (2007, Francia). Se comenta que esta podría ser la última película de Rohmer. De ser así, estaríamos ante un testamento fílmico cuya lógica puede compararse únicamente a su sensualidad. Rohmer rebusca en la novela L’Astrée, de Honoré d’Urfé, obra de principios del siglo XVII, el origen de varios de los temas que le han preocupado u obsesionado a lo largo de toda su carrera: el contraste entre lo real y lo aparente, los procesos de seducción, los celos, la fidelidad... Asomándose a un universo poblado por alegres pastorcillos, encantadoras ninfas e ingeniosos druidas, Rohmer despliega con ejemplar elegancia y desenfado un apasionante diálogo sobre la naturaleza del amor, su forma más pura y la más profana, la dialéctica del alma y el cuerpo… en fin, una gran película sobre la conceptualización del amor como núcleo de la existencia humana.

3- El cant dels ocells, de Albert Serra (2008, España) ¿Qué puede decirse de El cant dels ocells que no se haya dicho ya? Por mi parte, podría explicar que en el pasado Festival de Gijón, Serra presentó un infame cortometraje-boutade titulado Fiasco (exhibido en el marco de la obra colectiva Reflejos de Chaplin), en el que el director catalán y otros tres amigos se presentan ante la cámara (en un mañana de borrachera, supongo yo) disfrazados de Hitler, Stalin, Mussolini y Mao Tse-tung. Los chicos se pelean, simulan masturbarse y se revuelcan por el suelo, entre otras barbaridades-tonterías. El bochorno lo completó Serra durante el festival calificando a Chaplin de “putrefacto sentimental”. A pesar de todo esto, El cant dels ocells me sigue pareciendo una obra maestra, y eso es decir mucho.

4- Un conte de Noël, de Arnaud Desplechin (2008, Francia). Durante dos décadas de trabajo, Desplechin ha conformado un estilo en el que el exceso verborreico se alía con la fabricación torrencial de imágenes no reconciliadas con el academicismo, escurridizas y sensuales. En Un conte de Noël, el francés regresa a la familia, a las relaciones tensadas sobre el abismo de la dependencia y la soledad. Con un casting de ensueño (con Catherine Denueve, Mathieu Amalric y Emmanuelle Devos a la cabeza), el director despliega una gran trama de roces interpersonales y cada choque de identidades nos introduce en un nuevo misterio sobre la existencia humana. Entre la gravedad de los acontecimientos y la ligereza de su tratamiento, entre Hitchcock y Bergman, pasando por los ecos de la nouvelle vague, Desplechin confecciona imágenes magníficamente impregnadas del germen de la narración.

5- 35 rhums, de Claire Denis (2008, Francia). 35 rhums, una bellísima y respetuosa relectura de Banshun de Yasujiro Ozu, se consagra como un film cálido y luminoso, sólo soterradamente trémulo. Una película hecha de las caricias, las miradas cómplices y los gestos de atención que se dedican Lionel y Josephine, un padre y una hija. En la estela de anteriores trabajos de la realizadora francesa como Nenette et Bonni o Vendredi Soir, 35 ruhms nos muestra a la Denis en su faceta más urbana. Al mismo tiempo, la película compone un trasfondo social lleno de tensiones, con menciones al problema de la deuda externa internacional, el cierre de las facultades de antropología -un fenómeno en alza en Europa– o el drama del desempleo.

6- Teza, de Haile Gerima (2008, Alemania/Francia/Etiopía). Director de esa obra maestra absoluta titulada Harvest 3000 Years (1976), Gerima formula en Teza un discurso histórico en el que concurren la vocación didáctica y la intención experimental, materializada en una inquietante y fascinante brusquedad en la composición y el montaje que hace pensar en una posible transcripción fílmica de los principios del jazz. Entre la crónica histórica y el relato alucinado de un hombre en crisis, Gerima recorre los traumas de la nación etíope, materializados en el cruento régimen de Haile Mariam Mengistu, en el poder desde 1977 hasta 1991. Guiado por la furia y la urgencia, Gerima invoca la memoria de su pueblo y toma la vía del exorcismo a través de la constante trasgresión de la ortodoxia fílmica.

7- Jerichow, de Christian Petzold (2008, Alemania). La idea del dinero "como imagen, como traición, como valor de cambio" es la fuerza "lubricante" escondida tras Jerichow. El film es una pieza de cámara con forma de triángulo amoroso sobre el cual el director alemán navega escudado en su aguda y ultra-precisa concepción de la puesta en escena, atenta a la más pequeña variación sensorial y atmosférica del relato. En este pseudo-remake de El cartero llama dos veces, Petzold aborda numeras cuestiones sociales: las tensiones adyacentes al fenómeno de la inmigración turca en Alemania, las formas de posesión asociadas a la prostitución, los instintos explotadores que emergen en contextos capitalistas… Una película cuya tesis central es expuesta con claridad por uno de los personajes protagonistas: "No es posible amar si no tienes dinero".

8- Chicago 10, de Brett Morgen (2007, EE.UU.). La contienda legal resultante de los míticos disturbios acontecidos durante la Convención Nacional Demócrata de 1968 en Chicago (cúspide de las manifestaciones contra la guerra de Vietnam), el conocido caso de los Chicago Seven, es utilizado por Morgen como la base de un vibrante e inteligente cóctel de puro agit-prop. De la fusión de imágenes de archivo con temas musicales contemporáneos (de Eminem, los Beastie Boys o Rage Against the Machine) a la conquista del fuera de campo histórico a través de la animación digital, la película se erige como una construcción épica en la que se exalta el valor de la lucha norteamericana por la defensa de los derechos civiles.

9- Afterschool, de Antonio Campos (2008, 122', EE.UU.). Este joven realizador norteamericano convierte un instituto de secundaria estadounidense en escenario del terror contemporáneo. Más allá de la observación clínica de la institución, sus mecanismos y jerarquías, Campos centra su discurso en la percepción, interpretación y producción de imágenes por parte de los jóvenes estudiantes. Sumidos en la abulia y la apatía, los chicos del film pasan el tiempo viendo videos de YouTube o grabando momentos de su vida cotidiana, hasta convertir las imágenes en el centro de su interacción con el mundo. Y en el horizonte del film, encontramos referentes como Elefante, de Gus de Van Sant; Videodrome, de David Croneberg; o Blow Up, de Michelangelo de Antonioni.

10- La vie moderne, de Raymond Depardon (2008, Francia). En su observación detenida y pausada de la vida rural, el veterano realizador francés Raymond Depardon reclama el valor del encuadre preciso y la distancia justa como únicos mediadores posibles entre el cineasta y su objeto de estudio. Completando su trilogía de Profils paysans, desligando las imágenes de cualquier sostén pintoresco o exótico, Depardon consigue, a través de los rocosos rostros de unos ancianos campesinos, hablar de una dimensión misteriosa del ser, aquella que emerge de la confrontación entre el cineasta fascinado por la observación consciente (de la forma) y el ser humano que entrega su mirada de forma desinteresada, sin intereses ocultos ni un mensaje que predicar. La observación, el rostro, las huellas del tiempo.

11- Waltz with Bashir, de Ari Folman (2008, Israel) ¿Puede el dibujo animado ser una herramienta útil para el cine de lo real? Tomando como punto de referencia la masacre cometida (al menos permitida) por el ejército Israelí, entonces encabezado por Ariel Sharon, en los campos de refugiados de Sabra y Shatila en 1982, Waltz with Bashir se estructura como un viaje de dos direcciones a través de la memoria. Por una parte, los esfuerzos del director por derribar la amnesia que nubla sus recuerdos, mientras, de forma paralela, se evoca de forma onírica y estilizada el horror de la guerra. Por un lado, la exploración de la memoria mediante la palabra (las entrevistas, los testimonios, la sombra de Shoah, de Claude Lanzmann) y, por el otro, la representación plástica de la memoria traumatizada.

12- Achilles and the Tortoise, de Takeshi Kitano (2008, Japón). Kitano cierra su “trilogía del arte y el entretenimiento”, aunque perfectamente podría ser su “trilogía sobre la frustración artística”. Después de reírse de su figura pública en Takeshis y de recrearse en el bloqueo creativo en Glory to the Filmmaker!, Achilles… nos trae a un Kitano que, de nuevo, vuelve a hacer del inconformismo y la libertad sus principios de acción. A través de la crónica vital de un hombre obsesionado por la pintura, el director nipón realiza una punzante crítica a la hipocresía de la industria del arte. Aunque la película es también la representación del proceso de vampirización del artista a manos de su propio afán creativo.

13 -Shirin, de Abbas Kiarostami (2008, Irán). 114 famosas actrices de cine y teatro iraníes, más una estrella francesa (Juliette Binoche), asisten como espectadoras a la representación del poema persa del siglo XII, Khosrow y Shirin (un relato épico sobre un triángulo amoroso). Una hora y media de rostros femeninos sumidos en un intenso viaje emocional. La iluminación del decorado, las reacciones faciales de las actrices (que parecen dirigir su mirada hacia diferentes partes de una pantalla o escenario) y la sofisticación de la recreación sonora del poema hacen pensar en una representación teatral o fílmica, pero en realidad las actrices sólo reaccionan ante una suerte de dramatización radiofónica. No hay imagen, sino la respuesta de las intérpretes ante la ilusión de una imagen. Un nuevo paso (emocionante y bello) en el camino de Kiarostami hacia la abstracción. 

14- Z32, de Avi Mograbi (2008, Israel). Z32 es una película llena de máscaras, canciones y miradas a cámara, un pulso entre la obstinación de  Mograbi por registrar las heridas del conflicto palestino-israelí y la fragilidad de la propia empresa fílmica, un work in progress sembrado de incógnitas, una fábula moral al borde de la crisis. Mograbi es un cineasta empeñado en retratar lo que Jean-Louis Comolli ha definido como “ese otro que se puede y no se puede a la vez odiar y filmar”: en Z32, tanto el joven soldado como el propio director. Capaz de sobrellevar la vigilancia permanente de su propio sentido del rigor moral, el cine de Mograbi ha hecho de su sola existencia toda una prueba de vida.

15- Chelsea on the Rocks, de Abel Ferrara (2008, EEUU.). En lo que podría considerarse una continuación lógica a la realización de Go Go Tales, película que llevó a Ferrara a una suerte de exilio italiano, el documental Chelsea on the Rocks nos presenta una meditación en torno a la devaluación de la libertad creativa en la Norteamérica del capital. Más que como un lugar físico, el Chelsea Hotel, un territorio plagado de presencias espectrales, es filmado por Ferrara como el último estandarte espiritual del Nueva York libre, desprejuiciado, incorrecto y contra-cultural. Que la película termine adquiriendo la forma de una elegía crepuscular lo dice todo acerca de la mirada entre crítica y cómplice del gran Ferrara.

16- La Frontière de l'aube, de Philippe Garrel (2008, Francia). He aquí un nuevo capítulo del tránsito de Garrel por el cine de los cuerpos, las cicatrices sentimentales y las históricas. En La frontière de l'aube, el director se sirve de la figura del triángulo amoroso para explorar, de nuevo, las heridas que deja el amor en el espíritu de los que se atreven a surcarlo con entrega y pasión. El amor como un proceso de ascensión y autodestrucción, la felicidad (al menos la burguesa) como meta imposible para una generación (la de los jóvenes del presente) que todavía arrastra los estigmas históricos del siglo XX. Garrel en la encrucijada, entre La maman et la putain (1973), de Jean Eustache, y Vértigo (1958), de Alfred Hitchcock.

17- Hunger, de Steve McQueen (2008, Reino Unido). A pesar de bordear el exceso esteticista en más de una ocasión, el otro Steve McQueen (es video-artista, inglés, negro y tiene 39 años) nos lleva a un lugar que el cine británico probablemente no visitaba desde la perturbadora Elephant (1989) de Alan Clarke: una investigación sobre la violencia terrorista (del IRA) en la que los juicios morales se sustituyen por la irracionalidad del enfrentamiento ritualizado. Asesinatos a sangre fría, maltratos policiales, huelgas de hambre y un diálogo imposible: terroríficas huellas de la barbarie.

18- Tulpan, de Sergei Dvortsevoy (2008, Kazajistán). Al salir de la proyección en Cannes del primer largometraje de ficción de Dvortsevoy, un realizador con amplia experiencia en el documental, el amigo Álvaro Arroba, daba en el clavo cuando expresaba con cierta euforia: “¡Es como Kawase, pero con animales!”. Gran definición, si señor. Dvortsevoy es un cineasta dotado de un instinto inusual a la hora de organizar una ficción a partir de fulgurantes destellos del azar.

19- El brau blau, de Daniel Villamediana (2008, España). En su primer largometraje, el crítico y realizador español Daniel Villamediana nos ofrece una obra capaz de proyectar múltiples dimensiones mentales a partir de un austero planteamiento narrativo: un joven obsesionado con la idea del “toreo sin toro” busca un camino de perfección formal y espiritual. Habrá espectadores que decidan entregarse a la sensualidad física de la búsqueda, otros (los aficionados al toreo) podrán gozar de los códigos rituales del festejo, y finalmente, existe la posibilidad (la más sugerente) de interpretar el filme como un estudio sobre la capacidad humana para construir espacios imaginarios abiertos a la utopía. Un territorio cuya fertilidad solemos abandonar cuando dejamos atrás la infancia pero que algunos deciden mantener vivo durante toda la vida. Gente a la que solemos llamar locos.

20- Waiting for Sancho, de Mark Peranson (2008, Canadá). Casi sin entrevistas, valiéndose únicamente de la detenida observación de los accidentes del rodaje, el crítico canadiense Mark Peranson (invitado de lujo gracias a su condición de actor) elabora un contraplano-radiografía de El cant dels ocells de Albert Serra, haciendo explícito aquello que Serra captura de forma mágica y espectral: la vida del rodaje, una empresa claramente utópica y comunal.


 
lisa | 18.03.09 - 12:26:21 hs.
No pudiste con tu genio e incluiste a Villamediana y Albert Serra. ¡Estos catalanes nacionalistas! Ja. Es una broma. Iré a ver ambas porque me gusta el nuevo cine catalán. Y me juego tambien por Afterschool y Chicago 10 para descubrirlas también. gracias Manuel
 
Quintín | 18.03.09 - 17:59:15 hs.
No solo eso. Puso al colega y amigo Mark Peranson, que hizo una película sobre el rodaje de Serra. Corrupción total.
 
Ignacio Sánchez | 21.03.09 - 22:24:01 hs.
7 de las 20 recomendaciones están en mi lista personal.
 
Debora | 27.03.09 - 19:22:49 hs.
Con perdon de los españoles, aunque quieran darle poner en auge a Alberte Serra, Vi El cant dels ocells en festival de Mar del Plata, y no me gusto en lo mas minimo. Toda una pose la del director, cuando dice que el cine no puede superar a la literatura.
( ¿O entendi mal?)
 
manuel | 01.04.09 - 18:37:00 hs.
Vi RR y son trenes pasando durante toda la pelicula.
Dejé de ir a ver a cara q mereces de gomes (vi aquel mes de agosto y me encanto) porque confié en la recomendación de Yañez.
 
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